¿Cuáles cree que son las aportaciones más importantes del arte contemporáneo como periodo
Este capítulo comienza con un breve recorrido por la historia del arte para señalar que el arte cumple funciones tanto sociales como psicológicas y cómo está teñido por el contexto civilizacional e histórico al acumular capas de propósitos y sentido de las épocas pasadas y los diversos marcos mentales. El arte producido en el primer cuarto del siglo XXI ha absorbido las últimas tendencias del siglo XX y ha trazado y reforzado algunos caminos, especialmente los relacionados con la economía (el arte como producto de mercado valioso) y la sociedad (el arte como declaración, postura crítica y ciudadanía participativa). El capítulo recoge estas ideas con ejemplos que muestran, por un lado, la conexión económica del arte con el mercado y el consumo de masas, mientras que otros proyectos, por otro lado, incluyen una faceta politizada y de activismo a través del comisariado propio y colectivo, el arte participativo y la glocalización de sus asuntos de interés, audiencias e impacto social.
Cuál es la importancia de la clasificación de las formas de arte contemporáneo en la sociedad actual
El arte contemporáneo es el arte de hoy, producido en la segunda mitad del siglo XX o en el siglo XXI. Los artistas contemporáneos trabajan en un mundo globalmente influenciado, culturalmente diverso y tecnológicamente avanzado. Su arte es una combinación dinámica de materiales, métodos, conceptos y temas que continúan con el desafío de los límites que ya estaba en marcha en el siglo XX. Diverso y ecléctico, el arte contemporáneo en su conjunto se distingue por la propia ausencia de un principio organizador, ideología o “-ismo” uniforme. El arte contemporáneo forma parte de un diálogo cultural que afecta a marcos contextuales más amplios, como la identidad personal y cultural, la familia, la comunidad y la nacionalidad.
Algunos definen el arte contemporáneo como el arte producido dentro de “nuestra vida”, reconociendo que las vidas y los períodos de vida varían. Sin embargo, se reconoce que esta definición genérica está sujeta a limitaciones especializadas[2].
La clasificación del “arte contemporáneo” como un tipo especial de arte, en lugar de una frase adjetiva general, se remonta a los inicios del Modernismo en el mundo anglosajón. En Londres, el crítico Roger Fry y otros fundaron en 1910 la Sociedad de Arte Contemporáneo, como sociedad privada para la compra de obras de arte para colocarlas en museos públicos[3] En la década de 1930 se fundaron otras instituciones que utilizaban el término, como en 1938 la Sociedad de Arte Contemporáneo de Adelaida, Australia,[4] y un número creciente después de 1945. [5] Muchas de ellas, como el Instituto de Arte Contemporáneo de Boston, cambiaron su nombre por el de “arte moderno” en este periodo, ya que el modernismo pasó a definirse como un movimiento artístico histórico, y gran parte del arte “moderno” dejó de ser “contemporáneo”. La definición de lo que es contemporáneo está, naturalmente, siempre en movimiento, anclada en el presente con una fecha de inicio que avanza, y las obras que la Sociedad de Arte Contemporáneo compró en 1910 ya no podrían calificarse de contemporáneas.
Todo el arte ha sido contemporáneo significado
La respuesta es sencilla: el arte contemporáneo es el arte hecho hoy por artistas vivos. Como tal, refleja las complejas cuestiones que conforman nuestro mundo diverso, global y rápidamente cambiante. A través de su obra, muchos artistas contemporáneos exploran la identidad personal o cultural, ofrecen críticas a las estructuras sociales e institucionales o incluso intentan redefinir el propio arte. En el proceso, suelen plantear preguntas difíciles o que invitan a la reflexión sin ofrecer respuestas fáciles. La curiosidad, una mente abierta y el compromiso con el diálogo y el debate son las mejores herramientas para acercarse a una obra de arte contemporáneo.
Desde su fundación en 1940, el Walker presenta el arte actual en todas sus formas, incluidas las artes visuales, la danza, la música, el teatro, la imagen en movimiento, el diseño, la arquitectura, los nuevos medios y muchas formas híbridas. Estas obras a menudo desafían nuestras ideas sobre cómo debe ser el arte o cómo debe comportarse. Durante su visita, puede encontrarse con una danza en la que el movimiento es apenas perceptible, una escultura en forma de árbol vivo o una pintura hecha de nada más que tela y luz.
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Con sede temporal en el Museo Vargas de la Universidad de Filipinas, en Diliman, Quezón City, el proyecto inaugural del PCAN, Place of Region in the Contemporary, se centra en la importancia de las regiones en el arte contemporáneo.
Durante una visita a la exposición el 19 de enero, el director del PCAN, Patrick D. Flores, explicó: “Se trata de aprovechar los recursos del arte contemporáneo filipino. [Por supuesto, todos sabemos que es una escena muy activa. Muchos artistas están trabajando, los colectivos de artistas están prosperando y el mercado es fuerte. El discurso es más elevado. Uno de los objetivos del PCAN es consolidar y aprovechar los recursos del arte contemporáneo filipino”.
“Hay muchas maneras de definir cuándo empieza lo contemporáneo y cuándo termina lo moderno; ese es un debate entre los historiadores del arte. Pero una forma de hacerlo es localizar algunos puntos de inflexión en los que la práctica expresiva intentó cuestionar ciertas convenciones o instituciones del propio modernismo”, dijo el Sr. Flores.
El Sr. Flores señaló que los artistas trabajaron en una variedad de medios. Imao era fotógrafo, escultor y pintor; Ayco era fotógrafo, pintor y diseñador de vestuario de producción teatral; Bose era un artista de medios mixtos; y Junyee es escultor y artista de instalaciones.