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A lo largo de los años, los métodos artísticos han cambiado; por ejemplo, la pintura acrílica que se utiliza hoy en día es diferente de la pintura a base de tierra del arte rupestre que se utilizaba hace 30.000 años. El ser humano ha evolucionado, descubriendo nuevos productos y procedimientos de extracción de minerales de la tierra para elaborar productos artísticos. Desde la edad de piedra, el bronce, la edad del hierro, hasta la edad de la tecnología, el ser humano siempre ha buscado nuevos y mejores inventos. Sin embargo, el acceso a los materiales es la ventaja más importante para el cambio de las civilizaciones. Casi todas las civilizaciones tenían acceso a la arcilla y podían fabricar vasijas. Sin embargo, si determinadas materias primas sólo estaban disponibles en una zona, el pueblo podía comerciar con otros que quisieran ese recurso. Por ejemplo, en las antiguas rutas comerciales, China producía y procesaba la seda cruda para convertirla en impresionantes telas, muy buscadas por los venecianos en Italia para hacer ropa.
Los métodos artísticos se consideran los bloques de construcción de cualquier categoría de arte. Cuando un artista se entrena en los elementos del arte, aprende a superponerlos para crear componentes visuales en su arte. Los métodos pueden utilizarse de forma aislada o combinados en una obra de arte (1.24), una combinación de línea y color. Toda obra de arte debe contener al menos un elemento artístico, y la mayoría de las obras de arte tienen al menos dos o más.
Elementos visuales
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También podemos aplicar esto a la crítica del diseño gráfico, y utilizando este lenguaje podemos desarrollar una mayor comprensión de lo que vemos en el mundo que nos rodea cada día. Al desarrollar el vocabulario y ser cada vez más conscientes de los elementos que entran en juego en un diseño, podemos entender qué elementos funcionan de qué manera, y cómo un diseño falla o tiene éxito como medio para mejorar nuestros propios diseños.
Las líneas horizontales sugieren una sensación de descanso o reposo porque los objetos paralelos a la tierra están en reposo. En este paisaje, las líneas horizontales también ayudan a dar una sensación de espacio. Las líneas delinean secciones del paisaje, que se alejan en el espacio. También implican la continuación del paisaje más allá del plano del cuadro hacia la izquierda y la derecha.
Las líneas horizontales y verticales utilizadas en combinación comunican estabilidad y solidez. Las formas rectilíneas con ángulos de 90 grados son estructuralmente estables. Esta estabilidad sugiere permanencia y fiabilidad.
Elementos de diseño
Los elementos del arte son como los átomos, ya que ambos sirven como “bloques de construcción” para crear algo. Ya sabes que los átomos se combinan y forman otras cosas. A veces forman casualmente una molécula simple, como cuando el hidrógeno y el oxígeno forman el agua (H2O). Si el hidrógeno y el oxígeno toman una carrera más agresiva y traen al carbono como compañero, juntos pueden formar algo más complejo, como una molécula de sacarosa (C12H22O11).
Los artistas manipulan estos siete elementos, los mezclan con principios de diseño y componen una obra de arte. No todas las obras de arte contienen cada uno de estos elementos, pero al menos dos están siempre presentes.
Por ejemplo, un escultor, por defecto, tiene que tener tanto forma como espacio en una escultura, porque estos elementos son tridimensionales. También se pueden hacer aparecer en obras bidimensionales mediante el uso de la perspectiva y el sombreado.
El arte estaría hundido sin la línea, a veces conocida como “punto móvil”. Aunque la línea no es algo que se encuentre en la naturaleza, es absolutamente esencial como concepto para representar objetos y símbolos, y definir formas.
Formas de arte
Los elementos del arte son rasgos estilísticos que se incluyen en una obra de arte para ayudar al artista a comunicarse[1]. Los siete elementos más comunes son la línea, la forma, la textura, la forma, el espacio, el color y el valor, a los que se añaden la marca y la materialidad[1][2] Al analizar estos elementos utilizados intencionadamente, el espectador es guiado hacia una comprensión más profunda de la obra.
Las líneas son marcas que se mueven en un espacio entre dos puntos, por lo que el espectador puede visualizar el movimiento del trazo, la dirección y la intención según la orientación de la línea[1][2] Las líneas describen un contorno, capaz de producir textura según su longitud y curva. [Hay diferentes tipos de líneas que los artistas pueden utilizar, como las reales, las implícitas, las verticales, las horizontales, las diagonales y las de contorno, todas ellas con funciones diferentes[3]. Las líneas son también elementos situacionales, que requieren que el espectador tenga conocimientos del mundo físico para comprender su flexibilidad, rigidez, naturaleza sintética o vida[1].
Una forma es un diseño bidimensional encerrado por líneas para señalar su estructura de altura y anchura, y puede tener diferentes valores de color utilizados dentro de ella para que parezca tridimensional[2][4] En la animación, las formas se utilizan para dar a un personaje una personalidad y unos rasgos distintivos, y el animador manipula las formas para darles nueva vida. [Hay diferentes tipos de formas que un artista puede utilizar y que se engloban dentro de las formas geométricas, definidas por las matemáticas, o las formas orgánicas, creadas por un artista[3][4] Las formas geométricas simplistas incluyen círculos, triángulos y cuadrados, y proporcionan una sensación simbólica y sintética, mientras que las formas de ángulo agudo con puntas afiladas se perciben como formas peligrosas[1] Las formas rectilíneas se consideran fiables y más sólidas desde el punto de vista estructural, mientras que las formas curvilíneas son caóticas y adaptables[1].